Viennale ’13: The Act Of Killing

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THE ACT OF KILLING by Josh Oppenheimer is a159 minutes long examination of perpetrators boasting about their killings. And it is one of the most powerful documentaries that I have seen in a long time.

The movie is about the men who killed more than 100.000 “communists” during the Sumatra massacres in 1965 (I have put communists in quotes because many were killed without reason). And a lot of these perpetrators live a completely normal live today and are boasting about their acts of killing. They are seen (and see themselves) as heroes.

The Act Of Killing

A few days before I saw the film at the Viennale Film festival, I attended a lecture hosted by EAVE, where producer Signe Byrge Sorensen talked about the long making and also about the unorthodox distribution of the movie (privately organized screenings in Indonesia to avoid censorship; the rethinking by the government about the perpetrators after the movie was released and so on).

The movie does not show the victims. But it stays wit the perpetrators until they start deconstructing themselves and their beliefs. The director does not only go along woth them during their everyday lives, but he offers them to reenact the scenes of their killings. For this movie about themselves they are acting as perpetrators and sometimes also as victims.

Somehow the film managed that I was never sympathizing with the protagonists, though I was really close to them for a long time. Even not in the end, when I got the feeling that at least one of them realized that he is guilty of murder.

I could write much more about this movie, as I kept thinking abut it for days. But I think you should simply watch it. This is the trailer:

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InesViennale ’13: The Act Of Killing

Viennale ’13: The Act Of Killing

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THE ACT OF KILLING von Josh Oppenheimer ist eine 159 Minuten lange Auseinandersetzung mit den Abgründen von Menschen, die sich mit Leichen brüsten. Und es ist einer der herausragendsten Dokumentarfilme, die ich seit langem gesehen habe.

Es geht um Täter, die 1965 in Indonesien während des Militärputschs hunderttausende “Kommunisten” umgebracht haben (die Anführungszeichen deshalb, weil die Zuschreibung “Kommunist” oft sehr willkürlich war). Und viele der Täter leben heute ein ganz normales Leben und brüsten sich mit ihren Taten. Sie sind Helden und sehen sich nicht als Täter.

The Act Of Killing

Wenige Tage bevor ich den Film auf der Viennale gesehen habe, war ich bei einem Vortrag vom EAVE Programm in Wien, wo die Produzentin des Films, Signe Byrge Sorensen, über die langwierige Produktion und die unkonventionelle Distibution des Films (privat organisierte Screenings in Indonesien um die Zensur zu umgehen; das Umdenken der Regierung nach dem Film gegenüber den vorher unangetasteten Tätern etc.) gesprochen hat.

Der Film selbst zeigt keine Opfer, aber er bleibt so lange bei den Tätern bis die sich beginnen selbst zu demontieren. Dafür begleitet sie der Regisseur nicht bloß im Alltag, sondern er lässt sie die Szenen ihrer Morde nachspielen. Dabei spielen sie teilweise die Täter und manchmal auch die Opfer.

Der Film schafft es irgendwie, dass ich nie mit den Tätern empathisch wurde, obwohl ich ihnen ganz nahe kam. Selbst zum Schluss nicht, wo ich endlich das Gefühl hatte, dass es zumindest einem das Bewusstsein an die Oberfläche schwemmt ein Mörder zu sein und dafür eine moralische Verantwortung zu haben.

Über den Film könnte ich noch sehr vieles sagen; er hat mich tagelang nicht losgelassen. Aber ich finde, ihr solltet ihn euch einfach ansehen. Hier ist der Trailer:

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InesViennale ’13: The Act Of Killing

Viennale ’13: Gold

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Only few of my friends liked Thomas Arslan’s last movie IM SCHATTEN (IN THE SHADOW). I did, and somehow I did not mind the long scenes where almost nothing happens.

So I was looking forward to seeing GOLD, because I was eager to know how a genre movie would deal with slowness and gaps in the narration.

On the surface GOLD is a rather traditional western. But I think that it is actually a film about the surviving of humanity. Because we all now “man is a wolf to man”, especially in a group in the middle of nowhere, surrounded by unknown perils.

Gold

So far, so predictable. But also interesting, because the question is how a German arthouse writer/director would deal with the typical topoi of the Western genre.

Though I really wanted to like this film, I could not connect to it, especially to the characters. My biggest problems were the dialogs which I found rather stereotypical and staged. And I had the feeling that I had seen all this already in other movies. The narration was not focused enough and too conventional for my taste. I would have loved to see it executed in a lighter, playful and less predictable way.

But I missed especially one thing: The film tells the tale of a group of German immigrants looking for gold, money and happiness. This justifies why everyone is talking in German. But otherwise I missed the problem of “being German” in a foreign country full of possibilities and risks as a topic almost throughout the movie. There was the old couple, the young wild one, the macho looking for power and the greedy business man. And then there is the woman with a secret. But in the end it is a group of people fighting to survive. And it does not matter that they are German, as the characters did what I  would expect from any character in a Western movie.

Now this can mean two things: Either we are all the same, no matter where we come from. Or there were not enough ideas to visualize this aspect, though I read that the writer/director Thomas Arslan found it important that his characters are German.

Anyway, though I enjoyed seeing the vast landscapes, it was not exactly my cup of tea.

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InesViennale ’13: Gold

Viennale ’13: Gold

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Im Freundeskreis mochten ja wenige Thomas Arslans letzten Film IM SCHATTEN. Ich schon. Irgendwie machte mir dort das lange Warten, wo nichts passiert und man beobachten kann, nichts aus.

Auf GOLD war ich gespannt, weil ich neugierig war wie sich so eine Langsamkeit mit ihren vielen Leerstellen in einem Genrefilm niederschlägt.

Äußerlich ist GOLD ein eher klassischer Western. Aber ich glaube dass es in Wirklichkeit ein Film über das Überleben des Menschen ist, also auch der Menschlichkeit. Denn dass der Mensch dem Menschen ein Wolf ist, vor allem in der Gruppe inmitten einer großen Einsamkeit voller unbekannter Gefahren, das dürfte hinlänglich bekannt sein.

Gold

So weit, so absehbar, und auch so interessant, wie das ein deutscher Autorenfilmer umsetzt. Aber obwohl ich den Film unbedingt mögen wollte, bin ich mit den Figuren nicht warm geworden. Das lag bei mir vor allem an den Dialogen, die ich etwas klischeehaft fand, und an dem Gefühl, dass ich das alles genau so schon irgendwo gesehen hatte. Mir war die Erzählung zu unfokussiert und zu konventionell. Ich hätte mich gefreut, wenn das ganze etwas leichter, weniger, unvorhersehbarer und weniger hölzern daherkommt.

Und vor allem hätte ich mir eines gewünscht: Der Film erzählt die Geschichte von deutschen Auswanderern auf der Suche nach Gold, Geld und Glück. Das legitimiert einerseits, dass alle Deutsch sprechen. Aber andererseits habe ich das “Deutschsein” inmitten eines fremden Landes der unbegrenzeten Möglichkeiten nicht gespürt. Die Figuren haben in meinen Augen das getan, was Figuren in einem Western halt so machen – es gibt den Spießer, das alte Paar, den jungen Wilden, den machtgeilen Supermacho und den geldgierigen Geschäftsmann. Die Frau, die Nina Hoss spielt, hat ein Geheimnis, aber insgesamt ist es halt einfach eine Gruppe von Leuten, die ums Überleben kämpft. Ist es also egal, dass es deutsche Auswanderer sind?

Entweder heißt das, dass wir als Menschen alle gleich sind, unabhängig von unserer Herkunft, oder es heißt, dass es an Ideen gemangelt hat, diesen Aspekt zu visualisieren. Dass er für Arslan wichtig war, liest man z.b. hier.

Naja, ich weiß auch nicht so recht…

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InesViennale ’13: Gold

Viennale ’13: Like Father, Like Son

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Do you know that feeling when everything is happening at once? I mean, during the Viennale Film Festival. This year I had the presentation of Runtastic Story Running, and now I caught a nasty cold. But somehow I managed to watch three movies, so here is the first review.

I was really looking forward to LIKE FATHER, LIKE SON (SOCHITE CHICHI NI NARU) by Koreeda Hirokazu. My relationship with the Asian movies I have seen so far is not always the best, but I loved Koreeda’s movie NOBODY KNOWS.

I am often fascinated by the simple premise of Koreeda’s stories. With NOBODY KNOWS it is only one sentence: A mother leaves her four kids behind, only leaving a letter and some money on the kitchen table. The whole story is then told only from the perspective of the eldest 12 year old brother. There are few movies that moves me so much by their simplicity as that one.

LIKE FATHER, LIKE SON has a likewise simple topic: Two married couples realize that their sons were switched at birth. Both come from very different social backgrounds, and both have the same question: What to do now?

Like father, like son.

Unfortunately the simplicity of the story did not really convince me this time. I found the storytelling a bit banal and a bit redundant. Maybe one reason was the plot: Normally you would do a melodramatic tv movie or a over the top comedy with this story material.

But this was exactly the reason why I was interested how Koreeda tackles the topic. I was expecting a sensitive and detailed observation, but to my mind it was a bit blunt and thus too obvious:
On one side you have the rich family with a father projecting his own ambitions onto his son, who might have difficulties to find his own personality. On the other hand you have the poor, but happy family, who is dealing with the son in a much more loving, personal way. I felt that I had seen this setup several times already, and I found it too predictable.

But as always when the content of a movie does not really touch me, my brain finds other things to do. Here it was the editing and the mis en scene which I thought were really well done. I notices especially the movements of and in front of the camera, which told their own stories without words. But altogether my start at the Viennale this year was rather so-so.

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InesViennale ’13: Like Father, Like Son

Viennale ’13: Like Father, Like Son

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Meistens ist alles gleichzeitig. Also, während die Viennale läuft. Dieses Jahr war es zuerst die Runtastic Story Running Präsentation, und jetzt habe ich eine blöde Erkältung.  Aber drei Filme habe ich immerhin gesehen.

Auf LIKE FATHER, LIKE SON (SOCHITE CHICHI NI NARU) von Koreeda Hirokazu habe ich mich schon gefreut. Ansonsten habe ich ja eine Art Hassliebe zu vielen asiatischen Filmen, die ich gesehen habe, aber ich war u.a. von seinem Film NOBODY KNOWS sehr begeistert.

Was mich oft fasziniert, ist die simple Ausgangslage seiner Filme. Bei NOBODY KNOWS ist es ein Satz: Eine Mutter verlässt ihr vier Kinder, einfach so, nur ein Brief und etwas Geld bleiben zurück. Die Geschichte ist dann konsequent aus der Sicht des ältesten 12jährigen Bruders gefilmt, und es gibt wenige Filme, die mich in ihrer Schlichthet mehr berührt haben als dieser.

LIKE FATHER, LIKE SON hat ein ähnlich einfaches Thema: Zwei Elternpaare entdecken, dass ihre Söhne bei der Geburt vertauscht wurden. Beide kommen aus sehr unterschiedlichen Milieus, und beide fragen sich, wie sie nun vorgehen.

Like father, like son.

Leider hat mich dieses mal die Einfachheit der Geschichte nicht ganz überzeugt. Sie ist für mich etwas ins Banale abgerutscht und wird zu lang ausgebreitet. Das liegt vielleicht auch am Plot: Daraus macht man schnell mal ein melodramatisches TV Movie oder eine überdrehte Komödie.

Gerade deswegen hätte mich interessiert, wie Koreeda Hirokazu sich dem ganzen vielschichtig und durch eine sensible und genaue Beobachtung annähert, aber mir war das letztlich zu plump, vorhersehbar und durchschaubar:
Auf der einen Seite die wohlhabende Familie, wo der Vater seinen Ehrgeiz in den Sohn hineinprojiziert, der es dadurch schwer haben wird, seine eigenen Persönlichkeit zu entwickeln. Auf der anderen Seite die ärmere Familie, die dafür glücklich und menschlicher bzw. idividueller mit dem Sohn umgeht. Mir kam vor, das habe ich in Variationen schon zu oft gesehen und ich fand es irgendwann vorhersehbar.

Aber wie immer, wenn mich der Inhalt weniger berührt als erhofft, beschäftigt sich mein Hirn mit etwas anderem, zum Beispiel mit dem Schnitt und der Mis En Scene. Beides fand ich auffällig gut, vor allem was die inhaltliche Aufladung der Bewegungen in den Szenen betraf. Aber insgesamt war mein Viennalestart mit diesem Film heuer eher so mittel.

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InesViennale ’13: Like Father, Like Son

Viennale’12 – Ein Nachtrag

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Jetzt sind mir gerade beim Aufräumen die Viennale-Tickets vom Oktober/November in die Hände gefallen, und ich habe mich erinnert, dass ich damals mittendrin mit den Filmkritikenschreiben hier im Blog aufgehört habe.

Denn offenbar gibt es eine eiserne Regel, und die geht so: Ein paar Tage nach Beginn der Viennale kommen auf einmal alle  umgearbeiteten Drehbuchfassungen gleichzeitig auf den Tisch (in Worten: gleich-zeit-ig), ergo Superstress, und das wars dann mit dem Fimkritikenschreiben. So einfach ist das.

Aber ein paar Filme haben sich so festgehakt, dass ich doch noch darüber berichten muss.

MEINE KEINE FAMILIE ist eine der beste Dokumentationen, die ich in letzter Zeit gsehen habe. Der Filmemacher Paul-Julien Robert erforscht gemeinsam mit seiner Mutter und Freunden von früher seine Kindheit in der Kommune von Otto Mühl am Friedrichshof (hier gibt es Basisinformationen darüber). Das besondere daran ist, dass man originales Filmmaterial aus den 1980ern sieht, auf denen der (Therapie-)Alltag am Friedrichshof zu sehen ist.

Meine keine Familie

Meine keine Familie

Lange wird nur darüber gesprochen – über die Traumata, das autoritäre Verhalten Mühls in der Kommune, die “Therapien”, und dann, am Ende, sieht man es plötzlich in bewegten Bildern, und es ist noch schlimmer als ich es mir vorgestellt habe. Mich hat der Film sehr berührt, und auch wütend gemacht, weil das noch immer ein kaum aufgearbeitetes Kapitel der österreichischen Geschichte ist, in dem es Opfer gibt, über die viel zu wenig gesprochen wird.

Und es geht natürlich um die Definition von Familie. Der Filmemacher hatte keine im herkömmlichen Sinn, da die Kinder in der Kommune von allen erzogen wurden und sehr lange nicht einmal klar war, wer die biologischen Väter waren. Einer der Männer sagt später im Film, dass das ja im Grunde angenehm war, weil keiner der potentiellen Väter Verantwortung für ein Kind übernehmen musste. Aber die Spuren, die das bei den Kindern hinterlassen hat, die sieht man hier sehr deutlich.

MEINE KEINE FAMILIE ist ein wichtiges Dokument für die österreichische Zeitgeschichte. Und ein sehr berührender Film über die Sehnsucht nach Familie und gescheiterten Utopien, den ich allen dringend ans Herz legen möchte. Es war für mich der beste Film, den ich auf dieser Viennale gesehen habe. (Hier ist ein Interview mit dem Filmemacher.)

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Und jetzt im Schnelldurchlauf:

Camille Redouble

Camille Redouble

CAMILLE RDOUBLE war die einzige Komödie, die ich gesehen habe. Das sagt ja, wenn ich mir die Anmerkung erlauben darf, auch etwas über die Programmierung des Festivals aus; aber das ist eine andere Geschichte. Ich fand den Film sehr charmant, vor allem wegen der Schauspielerin Noemie Lvovsky, die auch Regie und Buch beigesteuert hat. Camille ist auf unerklärliche Weise plötzlich wieder jung (auch wenn sie so alt aussieht wie in der Rahmenhandlung) und geht zur Schule. Ein Klassiker (quasi Bodyswitch), aber eben mit viel Charme und Originalität umgesetzt. (Was haben wir in den 1980ern für furchtbare Kleidung getragen – auch so ein Nebeneffekt des Films, dass man sich das wieder mal vor Augen führt.)

Von MARGARET haben alle geschwärmt, ich wusste um siene lange Entstehungsgeschichte (juristische Streitereien etc.), aber dann hat es mich doch nicht so vom Hocker gerissen. Obwohl die Besetzung sehr gut ist: Anna Paquin und Mark Ruffalo. Mir hat die Figur, die Anna Paquin verkörpert, gut gefallen: Immer ein wenig zu dramatisch, hat sie mich im unklaren gelassen, was ihrer fantasie und was der Realität entsprungen ist. Was gut zur Geschichte passt. Aber irgendwas hat mir dann doch gefehlt. Wenn ich mich richtig erinnere, war mir der Film zu lang, und da war noch etwas Irritierendes, das mir aber leider inzwischen entfallen ist.

DER GLANZ DES TAGES ist der zweite Film von Tizza Covi und Reiner Frimmel, und ich mochte ja den ersten schon sehr gerne (LA PIVELLINA). Hier geht es um zwei Menschen, die sich selber spielen. Der Schauspieler Philip Hochmair trifft seinen (fiktiven) Onkel Walter Saabel, einen ehemaligen Artisten und Bärenringer (ein schönes Wort, nicht wahr?). Walter hat eine lange unterdrückte Sehnsucht nach dem Meer, nach der großen weiten Welt, die er berufsbedingt nicht ausleben konnte, und die sich jetzt in Hamburg wieder auftut. Philipp hat keine so große Sehnsucht. Wohl gibt es Andeutungen über Konflikte mit dem Vater und so weiter, aber ich fand es schade, dass seine Figur nicht mehr “Fleisch” hatte. Deswegen hat mich DER GLANZ DES TAGES auch nur so halb berührt zurückgelassen.

Und dann war da noch INORI, eine Meditation (normalerweise meide ich ja Filme, bei denen sich dieses Wort in der Beschreibung aufdrängt) über das Leben und vor allem auch das Sterben in einem kleinen japanischen Dorf, das mittlerweile beinahe unbewohnt ist. Ohne Kommentare, in langen Einstellungen beobachtet man Menschen in ihrem Alltag, der jeglicher Jugend beraubt ist, weil die Jüngeren und ganz Jungen schon alle mangels Perspektiven weggezogen sind. Eine sehr schöne Elegie.

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InesViennale’12 – Ein Nachtrag

Viennale’12: FILME VON KURDWIN AYUB

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Ich gestehe, dass ich die Arbeiten von Kurdwin Ayub bisher nicht kannte. Dafür hatte ich gestern die Chance, gleich mehrere Kurzfilme von ihr zu sehen. Und während ich da manchmal kurz zwischen den Bilder  etwas ganz Großes gespürt habe (u.a. über Rollenklischees und Erwartungen und das Spiel mit der Naivität, besonders hängengeblieben ist mir dabei der Film mit dem Brautkleid), so muss ich doch zugeben, dass sich mir einiges nicht erschlossen hat, vor allem die Familienurlaubsvideos, bei denen ich zwar auch etwas erahnen konnte, aber offenbar für mich nicht genug. Deswegen kann ich hier auch gar nicht so viel dazu schreiben.

Aber über eine Sache will ich noch berichten: Beim Publikumsgespräch war die erste Frage der Moderatorin die, dass einige Arbeiten ja Teil einer Reihe sind, die von der Künstlerin “Vaginale” genannt wird, und die Frage wäre nun, ob bzw. wie diese sexuelle Referenz auf eine feministische Haltung verweisen würde. Woraufhin Kurdwin Ayub meint, dass sie oft zum Diagonale Filmfestival fährt, und dort bekommt man ja immer diese roten Notizbücher, auf denen ganz groß “Diagonale” draufsteht, und sie zeichnet dann immer darauf herum, so dass dort “Anale” steht, oder “Kurdwinale”, oder eben auch “Vaginale”. Und letzteres habe sie so lustig gefunden, dass es zum Reihentitel wurde. So klug hat sich schon lange keine/r mehr einer analytischen Feminismuszuweisung entzogen. Chapeau! (Leider musste ich dann gleich zum nächsten Film, aber wenn das Publikumsgespräch so weitergegangen ist, wäre ich sehr gern dabeigewesen.)

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InesViennale’12: FILME VON KURDWIN AYUB

Viennale’12: ELECTRICK CHILDREN

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Offen gestanden bin ich primär wegen des Titels in den Film gegangen. Dass er mir dann auch noch so gut gefallen wird, damit habe ich eigentlich nicht gerechnet. ELECTRICK CHILDREN ist nämlich wirklich außergewöhnlich.

Es geht um die 15jährige Rachel, die in einer strenggläubigen Mormonenkommune aufwächst. Es werden Geschichten von der unbefleckten Empfängnis erzählt, und in einer, die die Mutter erzählt, spielt ein roter Mustang eine Rolle, der uns später noch begegnen wird. Und dann geschieht ein Wunder: Rachel wird schwanger. Sie glaubt, es sei eine unbefleckte Empfängnis, hervorgerufen durch ein Musikstück auf einer blauen Kassette. Weil sie sich nicht zwangsverheiraen lassen will, macht sie sich selbst auf die Suche nach einem Vater für das Kind, der ihrer Meinung nach die Stimme zu dem Lied auf der blauen Kassette sein muss. Dabei trifft sie auf einige seltsame Gestalten und auf das ihr unbekannte Grosstadtleben.

Trailer from Electrick Children on Vimeo.

In ELECTRICK CHILDREN passieren viele Dinge, die eigentlich dramaturgisch nicht passieren dürfen, weil sie völlig aus dem Nichts kommen. Und trotzdem funktioniert es, weil die Existenz von Zeichen und Wundern von Anfang an eingeführt wurde. Das gibt der Geschichte bei all ihren Zufälligkeiten sogar einen ganz besonderen Zauber. Es wird ein Märchen erzählt, das die sehr realen Figuren und ihre noch realeren Schwierigkeiten aus dem reinen Sozialdrama auf eine andere mythisch-poetische Ebene schweben lässt, die ich schwer beschreiben kann.

Besonders interessant ist übrigens den Schnitt. Es gibt Bild-Ton-Scheren, merkwürdige visuelle Zwischenschnitte, die urplötzlich auftauchen und wieder verschwinden, aber ohne die der Film ein eher normaler Indie Coming Of Age Film wäre. Ein paar mal habe ich übrigens an PARANOID PARK von GUS Van Sant gedacht, aber das war wohl eher wegen der Skateboardsequenzen.

Achso, und natürlich gibt es eine größartige Hauptfigur. Rachel ist naiv und mutig gleichzeitig, und so überzeugt davon, dass sie wie die Jungfrau zum Kind kam, dass ich sie nicht belächelt ahbe, sondern unglaublichen Respekt vor ihr bekam. Die grandiose Schauspielerin heißt übrigens Julia Garner, und ich weiß jetzt auch, wo ich schon mal gesehen habe: In MARTHA MARCY MAY MARLENE, interessanterweise auch ein Sektendrama. Aufgepasst, die wird jetzt ganz schnell zum Shootingstar.

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InesViennale’12: ELECTRICK CHILDREN

Viennale’12: ROOM 237

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Ich kann mich an eine Filmveranstaltung erinnern, bei der die Bedeutung der roten Farbe von Dorothys Schuhen in THE WIZARD OF OZ diskutiert wurde. Es müsse ja eine besondere Bedeutung haben, weil die Schuhe im Roman silber sind und nicht rot, wie im Film. Rot wie die Liebe, Leidenschaft, rot wie in der Geschichte “Die roten Schuhe”… Es gab zahlreiche Theorien. Ich meinte dann, dass man sie vielleicht einfach deswegen rot gemacht hatte, weil es 1939 einer der ersten Farbfilme war und man mit der neuen Technologie angeben wollte. Leider wurde ich damals nicht gehört. (Randnotiz: Ich hatte recht.)

Im Film ROOM 237 lässt Regisseur Rodney Asher verschiedene Menschen zu Wort kommen, die eine intensive Exegese des Films SHINING betreiben. Da gibt es den Wissenschafter, der die Indianermotive deutet (Bilder, Abbildungen auf Backpulverdosen im Hintergrund, Dialogzeilen usf.) und daraus ableitet, dass der Film ein Kommentar zum Genozid an der indigenen Bevölkerung Amerikas ist. Dann wäre da einer, der u.a. durch numerologische Betrachtungen überzeugt ist, dass es in SHINING um den Holocaust geht. Dann gibt es wen, der den Film vorwärts und rückwärts gleichzeitig abspielt und durch die “Doppelbelichtung” neue Bedeutungsebenen in den Bildern findet. Es wird von Fenstern gesprochenen, die auf Grund des Aufbaus des Gebäudes nicht existieren können, was das akribische Erstellen von detailliertesten Grundrissen zur Folge hat. Es geht außerdem um subliminale Bildbotschaften, und in dem Moment, in dem ich mir denke: Das sind ja irgendwie alles kleine Verschwörungstheorien, da taucht auch schon eine größere auf, denn selbstverständlich darf die Verbindung zu der von Kubrick angeblich inszenierten Mondlandung nicht fehlen.

Das ganze ist sehr amüsant, und teilweise auch wirklich absurd. Aber was mich wirklich fasziniert ist, wie sehr dieser Film als Projektionsfläche dienen kann. Wer von seiner Interpretation überzeugt ist, wird mit ziemlicher Sicherheit irgendwo im Film einen Beweis dafür finden. Und damit geht diese Dokumentation für mich über eine Ansammlung von möglichen Lesarten von SHINING hinaus, weil sie mir gezeigt hat, wie Projektionen funktionieren, und dass sie mehr über den Menschen aussagen, von dem sie kommen, als über die Sache, in die sie hineininterpretiert werden.

Eine sehr spannende Dokumentation, die zusätzlich eine ganz eigenwillige Bildsprache entwickelt. Denn die Interviewten sieht man nie, man hört nur ihre Stimmen. Dazu sieht man Filmausschnitte, die teilweise die Emotionen der Sprecher kommentieren oder assoziative Stellen aus anderen Filmen, die wieder neue Bedeutungsebenen aufmachen.

Ich für meinen Teil werde ab jetzt jedenfalls in Teppichmustern nur mehr sexuelle Fruchtbarkeitssymbole sehen können.

Edit: Meinen tollen Facebookfreunden sei Dank verweise ich hier auf zwei Links, die dort in den Kommentaren aufgetaucht sind.
Erstens eine Kurzdoku, in der von den am Film beteiligten diverse Dinge angesprochen werden, über die in ROOM 237 spekuliert wird: Staircases to Nowhere – Making Stanley Kubrick’s The Shining (danke, Nino).
Und zweitens ein langer Artikel, der den Film auf sehr gescheite Art auseinandernimmt (Danke, Claus).

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InesViennale’12: ROOM 237